Evolución de las artes figurativas en el siglo XX

La encrucijada de la pintura en 1900

En el siglo XX las artes figurativas experimentan una transformación tan profunda que en uno de sus movimientos, la abstracción, pierden su carácter de representación de la realidad concreta, es decir, dejan de ser figurativas. Esta revolución morfológica no depende de los arbitrios de una generación de artistas, ya que éstos no hacen más que traducir las concepciones intelectuales y sociales de un momento histórico, por tanto son los cambios filosóficos, científicos y políticos los que exigen del arte una forma diferente de afrontar la realidad.

El último cuarto del siglo XIX ha supuesto para la pintura una conmoción; los impresionistas anteponen a las arquitecturas sólidas de la materia la captación de algo tan sutil como la luz, pero se encuentran con que los físicos discuten sobre su naturaleza, no saben en realidad qué sea el fenómeno luminoso, y por añadidura algunos maestros, como VAN GOGH o  CÉZANNE, buscan detrás de las apariencias iluminadas otra realidad desconocida. De esta revisión de lo visible han de partir los pintores de 1900.

Por otra parte una técnica por entonces en auge, la fotografía, comienza a ocuparse de este panel de representación, mientras algunos aparatos, como el microscopio, descubren a la pupila humana dimensiones hasta entonces desconocidas de la materia. Las fotografías aérea y microscópica y los montajes fotográficos en algunos de los cuales se consiguen poéticos efectos de luz o profundidad, desplazan el arte pictórico hacia posiciones de interpretación antes que representación.

LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS: LOS "ISMOS" PICTÓRICOS.

El Fauvismo

En 1905, durante el Salón de Otoño de París, un grupo de pintores expone sus obras destacando por el brillante colorido utilizado, son calificados de fauves (fieras) por el crítico Louis Vauxelles.
El movimiento, así bautizado tuvo una corta duración, fue una exaltadora explosión gracias a la cual cada artista recuperó su independencia rehuyendo las influencias recíprocas.
Sus características comunes:
No existe función imitativa de los colores, No buscan como los impresionistas, crear una sensación física de la luz.
Buscan una síntesis expresiva. Tratan de poner la expresión en primer término, recobrar la energía originaria de la pintura: pintar como si no hubiera una tradición de siglos en la pintura.
Quieren que la pintura vuelva a ser joven.
Partiendo de la experiencia de los puntillistas y Gauguin comienzan a pintar con pequeños toques de color no mezclado, que luego darán paso a grandes superficies coloreadas, entrecruzadas e interrumpidas por trazos sinuosos y de gran movimiento. Posteriormente el uso del color pasa a ser libre y arbitrario.

El Expresionismo

El expresionismo se desarrolló en Alemania entre 1905 y 1930, y el término fue utilizado por primera vez por la revista alemana Der Sturn en 1910.
Los expresionistas reflejaron la tensión social latente en Alemania y se rebelaron contra la moral vigente. Al orden, equilibrio y la claridad mediterráneas opusieron  una tradición germánica de introspección, tomaron como referencia el arte Gótico -por su oposición al clasicismo-, y recuperaron la técnica de la xilografía.
Munch y Ensor fueron sus precursores más inmediatos. Die Brücke, Der Blaue Reiter y la Neue Sachlichkeit  fueron los grupos más destacado. Los principales núcleos artísticos fueron Dresden, Berlín, Munich y Viena. Tras la Segunda Guerra Mundial, el expresionismo resurgirá bajo otras formas.





MUNCH: El Grito, 1893. " Solo, temblando de angustia, sentí el grito vasto, infinito, de la naturaleza". MUNCH fue autor de poemas; en uno de ellos describe la experiencia, quizás recuerdo de su infancia turbada, que expresa en este cuadro, anticipo del mundo del expresionismo"

El Cubismo 

Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon, que será el punto de partida.

George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino.

Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y reaccionó contra él. Rechazó la impresión en favor de una comprensión más profunda de la realidad. Su fórmula era la forma-color. Él cree que la naturaleza no se dibuja, sino que se manifiesta a través del color. Cuanto más color se precisa más aparece el dibujo de los objetos, pero aparece en la forma. Por eso, la pintura de Cézanne no es una pintura dibujada, sino una pintura de volúmenes, de formas. Y una vez creadas, hay que relacionarlas entre sí, surgiendo aquí el problema de los planos, que lo impulsa a mirar los objetos desde varios puntos de vista.

Estas lecciones fueron asumidas por el cubismo que hará un replanteamiento de la obra de arte, de las formas, de la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte. El espectador ya no puede contemplarla sin más, sino que tiene que reconstruirla en su mente para poder comprenderla.

El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada.
Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas.

                             Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) 

 

 

"Las Señoritas de Avignon" anuncian su producción cubista, donde rompe con todas las normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en volúmenes cuadrados y angulosos. El título se refiere aun burdel barcelonés situado en una calle con el mismo nombre. Vemos el influjo de Cézanne, del arte ibérico y de la escultura negra. Las mujeres que aparecen desnudas tienen desfigurados sus rostros, algunas de ellas recuerdan máscaras africanas

 

 

 

 

 

George Braque (1882-1963)

En "Naturaleza muerta con naipes" reduce el cromatismo a colores grises y geometriza y descompone las formas para crear una nueva realidad mediante superposiciones y transparencias.

Juan Gris (1887-1927)

"Violín y guitarra (1913)"
En este bodegón se explora la tridimensionalidad de los objetos, que están dispuestos en dos conjuntos. Uno, formado por la guitarra y el violín, que ocupan el centro del cuadro, y otro, formado por una botella, el papel de la pared y el mantel. Gris crea relaciones entre los dos conjuntos, a través de planos y líneas entrecruzadas, asocia los elementos representados.